ARCHIVES
WHITE CUBE
Retrouvez sur cette page toutes les vitrines réalisées depuis le début du White Cube à Liège !
Août 2023
Fouad BOUCHOUCHA
France, 1981
Goodbye Horses 1, 2010
© JL DERU
L'adieu à la course !
Goodbye Horses 1 est une maquette de l'oeuvre Goodbye Horses, présentée au palais de Tokyo en 2013. Fouad Bouchoucha a imaginé un projet autour de la Bugatti Veyron. L’agence 7L crée alors les images de synthèse du projet et aide à la réalisation du dossier qui mènera Bugatti à devenir le partenaire principal pour la réalisation.
L’artiste convainc le constructeur de « la voiture la plus rapide du monde » de produire l’objet qui viendra surpasser son propre potentiel, et annuler par là même sa conduite. De ce procédé découle un habillage esthétique et aérodynamique qui, en venant parfaire les facultés de l’engin, obstrue du même coup toutes voies de visibilité (phares, pare-brise avant).
Induite à l’extrême de ses prétentions, la Bugatti ainsi modélisée est rendue inutilisable. La technologie déconnectée de son usage humain, n’a ici plus aucun sens.
Juin 2023
Guillaume BIJL
Anvers (BE), 1946
Composition trouvée (1992)
© JL DERU
Imitations parfaites de la réalité.
Depuis la fin des années 1980, Guillaume Bijl explore dans ses œuvres les frontières entre l’art et la réalité sociale. En référence aux « objets trouvés » dadaïstes (mouvement apparu durant la 1ere guerre mondiale et visant à prôner la liberté de création), il crée ses « compositions trouvées », sorte de natures mortes archéologiques de la société contemporaine.
Ces assemblages d’objets banals – chinés dans les marchés aux puces ou certains magasins vintages – sont toujours finement pensés et transforment les salles d’exposition en espaces de la vie quotidienne.
Perçus par le spectateur comme des environnements familiers, ces « fragments d’intérieur réalistes et kitsch » sont un moyen pour l’artiste de le confronter, de façon humoristique et ironique, à son propre consumérisme.
Mai 2023
Jacques CHARLIER
Liège (BE), 1939
Désoeuvre Post Moderne Néo-Retro (1980)
© JL DERU
Tente tous les moyens d'expressions, tout en restant libre.
Avril 2023
Pol PIERART
Liège (BE), 1955
MECONNAITRE (2022)
© JL DERU
Dans l’œuvre photographique de Pol Piérart, le médium, parce qu’il est décliné dans la simplicité et l’immédiateté du noir et blanc, favorise la lecture de l’image, le déchiffrement des mots et de l’humour. De petits écriteaux blancs, disposés auprès d’objets avec lesquels ils interagissent ou présentés sur fond de vues extérieures, donnent à lire de courtes phrases fonctionnant à la manière de slogans, de maximes ou d’expressions subtilement détournés, notamment par le recours à l’homophonie.
Dans d’autres images, à l’instar de ce que pratique l’artiste en peinture, un mot est transformé par la réécriture de certaines lettres ou par le truchement d’une graphie différente pour ouvrir sur une double lecture. L’environnement immédiat de l’artiste, son cadre de vie et les objets qui l’entourent lui procurent les supports de ses réflexions. Il n’est dès lors que logique qu’il se mette parfois lui-même en scène, ne désirant pas se soustraire à cette vision de l’humanité dont il épingle les problèmes et contradictions, en une satire tendre ou plus mordante lorsqu’elle stigmatise la situation sociale voire politique.
Les œuvres, à l’image du fil de la vie, passent du registre le plus trivial, le plus frivole au registre le plus grave, souvent empreint de poésie. Et si ces images reposent sur le principe du jeu de mots, elles invitent néanmoins le spectateur, dans le battement du décryptage, à convoquer son propre vécu, étant bâties à partir de ces anecdotes qui rythment le quotidien de tout un chacun. (Anne Wauters) « De sa peinture, l’artiste dit qu’elle lui permet d’aller directement à l’essentiel, qu’elle l’autorise à saisir la présence physique du mot. Ainsi, contrairement à ses photographies qui apostrophent l’attention par des modes d’association doués de sens et par une mise en scène d’aphorismes et autres jeux de langage, les toiles surprennent par une grande économie de moyens et par une syntaxe rythmique se limitant à un seul mot.
Dans la couleur fraîche, le peintre trace rapidement des lettres qui comportent un terme apparemment anodin. Qui connaît un peu l’artiste n’ignore pas la suite: par un jeu de biffage, de traits superposés et de lettres trafiquées, le mot initialement écrit prend un autre sens et incite à toutes sortes de lectures, d’excursions et de détours. En comète, les lettres zigzaguent dans nos pensées. Elles vont vite, elles touchent juste et s’accordent avec l’ironie détachée du message délivré. Il y a derrière l’apparente légèreté des interférences sémantiques, une gravité qui s’avoue à peine. »
Extrait d’un texte de Julie Bawin (dans le numéro 34 de l’art même, 2007).
Mars 2023
Cornélius ANNOR
Accra (GH), 1990
KWAME PHOTOOO (2022)
© JL DERU
Cornelius Annor est un peintre figuratif qui dépeint la vie quotidienne, en partant souvent de souvenirs d'enfance et de l'histoire familiale (mariages, baptêmes, anniversaires, etc.) : regarder l'ensemble de l'œuvre d'Annor, c'est comme tourner les feuilles d'un album de famille.
Inspiré par la pratique de l'artiste britannique et nigérian Yinka Shonibare, sa méthode unique de transfert de tissu – qui consiste à placer celui-ci sur la toile pendant plusieurs heures – laisse un vestige décoloré du motif sur la toile, comme le signe d’une mémoire collective.
Sur le côté droit de la composition se tient un homme vêtu d'une chemise bleue tenant une caméra vidéo. Il s'agit de M. Kwame Amponsah, alias Kwame Photooo, un photographe très connu à Accra qui assiste à tous les événements familiaux pendant les périodes de fête, devenu comme un gardien des moments perdus.
Février 2023
Mark MELVIN
(1979, Bury, UK)
Same again (A sign from Cyndi)
© JL DERU
Les œuvres de Mark Melvin amènent le spectateur à réfléchir à travers des phrases qui restent longtemps en tête. Elles demeurent dans la mémoire et libèrent des souvenirs subjectifs, prenant des significations différentes selon les propres expériences du spectateur.
L'installation Same again (A sign from Cyndi), a été créée en 2005 pour une exposition solo dans le cadre du Crosby Homes Manchester City Art Prize. Des néons tracent un texte en cercle qui s’éclaire alternativement en bleu et en rose. La phrase « Time after Time » tourne sans cesse dans un mouvement mécanique, un jeu hypnotique sur la notion de répétition. Le sous-titre fait référence à Cyndi Lauper, la chanteuse des années 1980, et aux souvenirs que l’artiste en conserve.
Mark Melvin s'est fait connaitre grâce à plusieurs prix, résidences et expositions au Royaume-Uni et à l'étranger. Ainsi, il a été lauréat du Nationwide Mercury Art Prize. Mark Melvin a étudié à la Glasgow School of Art, au Maryland Institute College of Art and Design, puis au Konsthogskolan Valand MA Fine Art et au Central Saint Martin College of Art and Design.
Decembre 2022 - Janvier 2023
Léo LUCCIONI
(1994, Foix, France)
Gouverner
© JL DERU - Texte: Sophie Zanier
Léo Luccioni est fasciné par la capacité des entreprises contemporaines à assimiler toutes les critiques pour s'adapter à chaque mutation majeure de la société. À la manière du storytelling entrepreneurial, dont l’intérêt pour l’histoire et l’esthétique d’une marchandise prime sur son utilisation, l’artiste donne un nouveau sens aux objets du quotidien.
Cette stratégie du détournement est utilisée dans le cadre de son installation Gouverner : l’ancien logo d’une compagnie pétrolière française redessiné d’un trait tremblant côtoie des bonbonnes de gaz transformées en instruments de percussion méditatifs.
En changeant positivement la signification de ces objets, l’artiste tente d’ouvrir les yeux des spectateurs afin qu’ils se rendent compte de la relation ambigüe qu’ils entretiennent avec les produits issus de la société de consommation.
Octobre-Novembre 2022
Zhang YEXING
(1981, Shenyang, China)
1709
© JL DERU - Texte: Sophie Zanier
Durant ses études artistiques à Shenyang – ville industrielle située au nord-est de la Chine – Zhang Yexing acquiert une pratique picturale inspirée par la peinture de l’ancienne Union soviétique.
À l’époque de l’URSS, l’art officiel devait illustrer fidèlement la réalité sociale de la classe populaire, qui pouvait dès lors se reconnaitre et apprécier sa condition. Afin de dépeindre au mieux la réalité sociale de sa ville natale, l’artiste reproduit sur sa toile le couloir situé au 17e étage d’un logement ouvrier shenyangais.
Dans cet intérieur, Yexing s’attarde plus particulièrement sur le rideau d’entrée de l’appartement n° 9, devant lequel des pantoufles sont soigneusement posées. Cette scène mystérieuse alimente l’imagination du spectateur qui peut mentalement incarner le quotidien d’un ouvrier chinois.
Septembre 2022
Georges COLLIGNON
(1923-2002, Liège, Belgique)
Surabstreel (Barbarella)
1967
© JL DERU - Texte: Sophie Zanier
Considéré comme l’une des figures majeures de l’abstraction géométrique, Georges Collignon adopte une technique picturale singulière en créant des compositions dynamiques constituées de formes curvilignes qui s’entrelacent sur la toile.
Qualifiée de « topographique », sa peinture labyrinthique semble au premier abord inspirée par une photographie aérienne d’un paysage rural ou une coupe histologique. En réalité, l’artiste liégeois rend hommage à Barbarella, héroïne sixties de bande-dessinée Sci-Fi, qui incarne la femme moderne à l'ère de la libération sexuelle.
Dans ce dédale de formes abstraites, des éléments figuratifs apparaissent de façon fragmentaire et allusive. Collignon invite dès lors le spectateur à observer attentivement le tableau pour y découvrir les contours d’une main, d’une cuisse ou d’une jarretière.
Juillet - Août 2022
Thandiwe MURIU
(1990, Nairobi, Kenya)
Série Camo
2018
© JL DERU - Texte: Sophie Zanier
En rupture avec les normes de beauté véhiculées par les magazines de mode occidentaux, Thandiwe Muriu met en lumière, à travers son objectif, la beauté singulière de ses compatriotes, souvent exclues des standards dans leur propre pays.
Intitulées CAMO, sa série de photographies fait référence à la façon dont le sujet représenté se fond dans le décor, ne laissant apparaître que ses particularités. Parmi celles-ci, l’artiste renoue avec le passé glorieux des reines africaines en couronnant ses modèles de coiffures traditionnelles tombées dans l’oubli, tout en célébrant la peau foncée des jeunes femmes photographiées. Désirant également refléter l’ingéniosité des Kenyanes, Muriu transforme des objets du quotidien – tels qu’un panier à linge ou des éponges – en véritables accessoires de mode.
Grâce à ses photographies aux couleurs éclatantes, l’artiste veut encourager les femmes africaines à prendre conscience de leur singularité, tout en célébrant la richesse de leur héritage.
Mai 2022
Chris SOAL,
(1994, Johannesburg, Afrique du Sud)
Within and Without
2020
@JL Deru - Texte: Sophie Zanier
Observateur attentif de la société contemporaine, Chris Soal désire, grâce à son art, dénoncer la relation destructrice que les hommes entretiennent avec leur environnement. Dans cet objectif, l'artiste confectionne des sculptures à partir de déchets – tels que des capsules de bière – omniprésents dans le paysage urbain de Johannesburg.
Assemblés dans un nouveau contexte, ces centaines d’objets à usage unique acquièrent une nouvelle identité. En disposant ces capsules dans des directions opposées, SOAL crée une illusion du mouvement, qui modifie la relation du spectateur avec la sculpture.
À travers ses œuvres, l’artiste invite le spectateur à prendre conscience que chacune de ses actions peut avoir un impact positif sur le reste de la société.
Juin - Juillet 2022
Lionel ESTEVE
(1967, Lyon, France)
Untitled
2012
@JL Deru - Texte: Sophie Zanier
Délaissant la fabrication traditionnelle d’œuvres d’art, Lionel Estève développe une démarche artistique dont la préoccupation centrale est l’expérience sensorielle éprouvée par le spectateur.
Constitué d’un assemblage de milliers de feuilles translucides suspendues en cascade, son « dessin à franges » miroite des vibrations lumineuses sur les murs d’exposition.
D’une extrême sensualité, cette installation éveille notre envie de l’effleurer, tout en nous invitant à nous laisser bercer par la fragilité des morceaux de plastiques colorés débordant de sa surface plane.
Mars-Avril 2022
Frédéric PLATEUS,
(1976, Liège, Belgique)
Solid Rock
2010
@JL Deru - Texte: Sophie Zanier
Figure de proue de la scène du graffiti en Belgique, Frédéric Platéus développe un parcours artistique aux nombreuses influences, parmi lesquelles son attrait pour la technologie et sa fascination pour la science-fiction forment le berceau de sa production tridimensionnelle.
Fasciné par le Rubik’s Cube, l’artiste liégeois explore les infinies possibilités formelles du casse-tête en créant, dès 2007, plusieurs interprétations du modèle original. Parmi celles-ci, le Solid Rock, véritable prouesse géométrique composée de branches pyramidales se déployant dans l’espace, semble être un objet tout droit sorti d’un film de science-fiction.
De la quatrième dimension, Platéus explore aussi le sentiment d’illusion en intégrant des miroirs sur les parois de sa sculpture qui permettent de jouer avec les perceptions du spectateur. En se déplaçant autour de l’œuvre, le spectateur peut observer à la fois l’environnement et sa propre présence se refléter sur la surface de la sculpture, conférant une sensation de lecture infinie de l’œuvre de Frédéric Platéus.
Février 2022
Massimo VITALI,
(1944, Côme, Italy)
Les Menuires Grandes
2000
© JL DERU - Texte: Sophie Zanier
Suite aux changements politiques radicaux survenus en Italie au début des années nonante, le photographe Massimo Vitali commence à observer très attentivement ses compatriotes qui tentent d’échapper aux restrictions sociales et économiques de l’époque durant leurs moments de loisir. Dans l’oisiveté de leurs instants de vacances, le photographe immortalise les Italiens qui se prélassent sur les plages, dévalent les pistes de ski ou encore font la fête dans les discothèques.
Qu’importe la thématique, la technique de prise de vue de l’artiste reste la même. Inspiré par la perspective surélevée caractéristique des peintures de la Renaissance, Vitali s’installe sur une estrade avec son matériel photographique. Perché à quatre mètres de hauteur, il observe les histoires se dérouler et s’enchevêtrer en contre-bas et patiente jusqu’au moment qu’il juge opportun pour déclencher l’appareil.
Toutes les petites actions et interactions photographiées par l’artiste peuvent, selon lui, « nous faire comprendre certains aspects de la société dans laquelle nous vivons ». Massimo Vitali invite le spectateur à parcourir du regard ces images fourmillantes afin qu’il découvre, sans cesse, un nouveau détail sur lequel s’attarder.
Janvier 2022
Seydou KEITA
(1921-2001, Bamako, Mali)
"Le Géant de Bamako"
1949-1951
© JL DERU
Decembre 2021
Éric POITEVIN
(1961, Longuyon, France)
Sans titre
2019
La nature se trouve au cœur de l’œuvre d’Eric Poitevin qui nous offre une vision personnelle de chacun de ses sujets. Le travail de la couleur, de la matière et du point de vue représente l’élément essentiel de la démarche du photographe français qui parvient à sublimer chacune de ses prises de vues. Demandant un temps d’arrêt et d’observation pour leur compréhension, les photographies d’Eric Poitevin incitent à la contemplation et la méditation.
Réalisée à l’occasion d’une exposition à Versailles, sa série de soleils fait référence au Roi Soleil. Presqu’abstraites, ces photographies évoquent la monochromie de certaines peintures minimalistes. Eric Poitevin y exploite tout le potentiel visuel de ces vues solaires sur fond gris ou bleu. Une invitation à voir ce qu’on ne regarde plus... Notre rôle c’est peut-être de montrer des choses là où il n’y a rien à voir. Regarder n’est pas si simple, explique-t-il.
Novembre 2021
David CUMMINGS
(1937, Oklahoma, USA)
Chac
1971
Influencé par la palette et les formes de Paul Cézanne, l’artiste américain David Cummings travaille avant tout la couleur. Actif depuis les années 60’, il a décliné ses peintures en trois séries distinctes respectivement composées de mains, nuages et graffitis.
Ses peintures au spray figurent une véritable explosion de couleurs. Entièrement recouvertes d’ondulations créées à la bombe à partir de la répétition du même geste, elles montrent une composition abstraite similaire à certaines œuvres de l’action painting.
La juxtaposition de tant de couleurs questionne également la relation entre chacune de ces dernières. David Cummings en fait une expérimentation audacieuse, semblable à ce que pourrait faire un musicien avec ses notes. Sa technique au spray renvoie, par ailleurs, aux modes d’expression du street art.
Octobre 2021
Jacques LIZÈNE
(1946-2021, Liège, Belgique)
Peinture médiocre
1966-1988
Sculpture nulle
1980-2011
Hommage à Jacques LIZÈNE
« Petit Maître liégeois de la seconde moitié du XXème siècle»
1946-2021
Septembre 2021
Damien DE LEPELEIRE
(1965, Bruxelles, Belgique)
Série Black & White
2019
Silhouettes aux formes suggestives, les œuvres de la série Black & White de Damien De Lepeleire figurent avec très peu de moyens des corps reconnaissables dès le premier coup d’œil. Composée d’une vingtaine de toiles, cette série s’est développée selon la même technique, à savoir l’application d’un fond de couleur fluo sur lequel l’artiste faisait apparaître les formes avec de la peinture noire ou blanche. À l’origine du titre des œuvres, ce procédé met donc à jour des contreformes et de larges aplats de couleurs.
Travaillant principalement par série, Damien De Lepeleire se fixe plusieurs obligations et contraintes pour chacune d’entre elles. Outre l’utilisation de couleurs criardes qui attirent directement le regard, la dimension des tableaux de Black & White interpelle tout autant le spectateur. Leur réalisation nécessitait également un lieu et une rigueur spécifiques. Le résultat est au premier coup d’œil simple, clair et efficace, à l’instar des panneaux utilisant les codes de la publicité dans le paysage urbain. Aucun contenu consumériste dans ce cas-ci ni signification demandant une interprétation : la peinture existe pour elle-même.
Juillet-Août 2021
Jacky TSAI
(1984, Shanghai, Chine)
Chinese Spa - Golden Version
2019
À la fois passionné par l’art oriental traditionnel et par le pop art occidental, Jacky Tsai crée une œuvre au croisement de ces esthétiques et iconographies. Cet artiste chinois trouve une influence massive dans le travail de Roy Lichtenstein et Andy Warhol, qu’il a su combiner avec la culture de son pays. Ouest, est, futur, passé : tout est réuni dans la démarche de Jacky Tsai qui développe aussi une dimension politique avec ces supers héros, chantres de la puissance occidentale intégrés dans des situations avilissantes.
Dans un souci patrimonial, Jacky Tsai utilise également des techniques chinoises d’artisanat qui sont en voie de disparition, à l’instar de Chinese Spa présenté pour AAC #6 et qui est gravé sur bois avant d’être peint à la laque et à la feuille d’or par des artisans chinois.
Juin - Juillet 2021
Emmanuel TAKU
(1986, Accra, Ghana)
Four Brothers in White
2021
Le sujet de l’œuvre d’Emmanuel Taku porte sur l’être humain et l’identité avec pour message le vivre ensemble. Cet artiste ghanéen combine sa passion pour le portrait et le textile, en associant les deux dans des compositions qui mêlent réalisme et surréalisme. Les motifs peints ressortent des fonds monochromes grâce à des jeux de couleurs vives entre les corps noirs et les vêtements. Sur la peau, Emmanuel Taku colle des fragments de journaux faisant référence aux enjeux politiques des gens de couleur dans la société.
Pour moi, capturer des corps noirs sous une forme abstraite est une sorte de biais vers une idée du surnaturel - presque comme des super-héros et des super-héroïnes (certains que je connais et d'autres pas). Bien que nos corps soient généralement politisés, je cherche à pratiquer davantage la récupération de notre récit comme beaucoup de grands artistes avant moi en capturant des corps noirs dans une puissante révérence.